Vivaldi: la musica a programma

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Per noi ascoltatori del XXI secolo, abituati al facile consumo di musica in qualsiasi contesto e occasione, può essere difficile calarsi nei panni di una persona vissuta nel Settecento e comprendere cosa possa aver significato l’esplosione di creatività musicale che si ebbe in quel periodo storico.

Per secoli l’ascolto musicale era rimasto relegato in circostanze ben precise: oltre alla musica popolare, non scritta e dunque poco strutturata in senso compositivo, si poteva ascoltare musica soltanto in chiesa, al servizio delle funzioni religiose, oppure nei contesti esclusivi destinati alle classi più abbienti, o infine in ambito militare. Nel Settecento invece, anche grazie all’esplosione del fenomeno dei teatri pubblici e alla fioritura della musica strumentale, si creano nuovi ambienti e nuove possibilità di produzione e fruizione musicale: la musica comincia a diventare, finalmente, un mezzo espressivo della collettività.

Ma di cosa parla, e cosa esprime, la musica del Settecento? In che modo si rivolge ai nuovi ascoltatori, e per quale ragione? Può la musica in effetti “parlare” di qualcosa, e come riesce a smuovere gli affetti e produrre sensazioni in chi la ascolta e la produce?

Siamo pur sempre nel secolo dei lumi e il problema della risonanza affettiva, emotiva e creativa di un brano va razionalizzato in un linguaggio logico e lineare. In generale, in questo periodo, la musica strumentale non riscuote grande considerazione da parte degli intellettuali, proprio a causa dell’assenza ad agganci ad un significato definibile e univoco. La domanda, tuttora ricorrente, “Cosa vuol dire questa composizione strumentale?”, sembra restare senza risposta. Deriva da qui la grande fortuna che in quel periodo storico assume, soprattutto in ambito francese, la cosiddetta “musica a programma”, composta cioè sulla linea narrativa o descrittiva di un riferimento extra musicale, spesso letterario. Non è semplice imitazione, quanto piuttosto l’idea che ciò che è “bello” lo è perché esiste, si associa al “vero”, e che tutto ciò che di artistico viene creato non possa nascere dal nulla ma dal riconoscere un modello preesistente in natura e nel riprodurlo, rielaborandolo, utilizzando un altro materiale, come la pittura o la scultura.

Il discorso è ancora più difficile se il materiale a nostra disposizione è intangibile come quello musicale. La musica, in pratica, trasmette qualcosa all’ascoltatore, e dunque può essere considerato un mezzo di comunicazione: contemporaneamente, però, si sottrae quasi del tutto alla definizione del suo campo semantico, e cioè di una interpretazione univoca del messaggio che trasmette e della modalità che utilizza per trasmetterlo. Associare a una composizione strumentale un testo o un titolo, un riferimento che utilizza un linguaggio univoco e comprensibile all’ascoltatore, può quindi essere un mezzo per isolare lo stesso brano dal contesto e contemporaneamente esprimere in modo accettabile e condivisibile quanto di più indefinibile e inafferrabile possa esistere: la creatività musicale.

La musica può diventare dunque strumento per amplificare la risonanza espressiva e drammatica di un testo, o può evocare – più che descrivere – immagini, situazioni e sensazioni, in alcuni casi arrivando all’imitazione di suoni naturali.

Eccezionali modelli di musica a programma sono proprio i concerti tematici di Antonio Vivaldi, non molto numerosi all’interno della sua immensa produzione, ma celeberrimi ancora oggi: Le quattro stagioni, La notte, La tempesta, Il gardellino ne sono alcuni esempi, anche molto diversi tra loro. Se nel Gardellino o nella Tempesta il riferimento extramusicale è puramente onomatopeico o allusivo, nei concerti delle Stagioni il programma è preciso e articolato, costituito da quattro sonetti (forse di mano dello stesso Vivaldi) i cui versi arrivano perfino a insinuarsi tra i righi della partitura. L’ascoltatore può quindi seguire la descrizione e l’evocazione degli eventi naturali in una sorta di narrazione musicale senza drammatizzazione, dove il teatro prende forma nella mente, e in cui il regista nascosto è il compositore, che ci guida in territori rassicuranti, familiari ma allo stesso tempo inesplorati, comprensibili perché condivisi ma contemporaneamente soggettivi, evocando in chi ascolta una sorta di paesaggio interiore. Una sorta di “guida all’ascolto” creativa che possiamo ripercorrere insieme in uno dei più famosi tra i concerti vivaldiani: L’Estate.

Leggendo il sonetto si riscontrano molti procedimenti di pura imitazione strumentale, quasi onomatopeici – come ad esempio il canto degli uccelli, il ronzio di mosche e mosconi, il vento e il temporale– e altri nettamente evocativi, come la scelta stessa della tonalità di sol minore che richiama l’atmosfera pesante della calura e del torpore estivo. Da un pensiero di stampo illuministico in cui l’elemento naturale extramusicale è regolato e ordinato dall’uomo, in Vivaldi il punto di vista quasi si ribalta: la natura sembra prendere il sopravvento ed è il paesaggio a dominare sulla presenza umana, quasi in un anticipo di romanticismo. Inoltre, diversamente da quanto accadrà in epoche successive e soprattutto nel caso del poema sinfonico, gli elementi extramusicali si integrano nella forma consueta del concerto senza in alcun modo modificarla.

Marco Ricci (Belluno 1676 – Venezia 1730), Paesaggio veneto con strada lungo un fiume [click per il link all'ascolto]

Marco Ricci (Belluno 1676 – Venezia 1730), Paesaggio veneto con strada lungo un fiume
[click per il link all’ascolto]

 

L’estate

Sotto dura stagion dal sole accesa                                            I. Allegro non molto
langue l’uom, langue il gregge, ed arde il pino
scioglie il cucco la voce, e tosto intesa
canta la tortorella e il gardellino.

Zeffiro dolce spira, ma contesa
muove Borea improvviso al suo vicino;
e piange il pastorel perché sospesa
teme fiera borasca e il suo destino.

Toglie alle membra lasse il suo riposo                                     II. Adagio
il timore de’ lampi e tuoni fieri
e di mosche e mosconi il stuol furioso!

Ah che pur troppo i suoi timor son veri:                                  III. Presto
tuona e fulmina il ciel e grandinoso
tronca il capo alle spighe e a’ grani alteri.

 

Una buona occasione per godersi le più famose pagine vivaldiane, i concerti delle Stagioni, op. 8 Il cimento dell’armonia e dell’inventione, sarà il concerto del 10 aprile: l’Orchestra del Teatro Regio, diretta dal primo violino Sergey Galaktionov, ce le farà riscoprire in un abbinamento insolito, accostate a Las cuatro estaciones porteñas di Astor Piazzolla, in un viaggio musicale tra la Venezia del 1725 e la Buenos Aires del 1970.

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